Inicio

El reto de la página en blanco

Deja un comentario

manoconLapiz

.

Para muchos artistas uno de los momentos de mayor tensión es enfrentarse a la página en blanco que representa el vacío, la nada. Ante nosotros no tenemos nada y de nuestro lápiz tenemos que sacar lo que sea. No obstante cuando hablamos de la “página en blanco” como siempre que nos referimos a cualquier término utilizado para representar a la “nada” , estamos hablando en términos relativos, en realidad la página en blanco no está tan en blanco como parece, incluso el papel más limpio y satinado puede mostrar irregularidades que pueden hacerse evidentes ante el reflejo de la luz, ya no hablemos si se trata de un papel reciclado, cuadriculado o re-utilizado como un papel de servilleta o la antigua hoja de un dietario, en esos papeles hay un montón de elementos gráficos incluso antes de realizar el primer trazo .

En realidad cuando hablamos de la página en blanco nos estamos refiriendo a que no hay “nada” respecto al estado anterior de la página, esa nada es una convención como lo son la mayoría de ideas que se utilizan en para expresar el concepto de “nada” ya que la “nada” absoluta es muy difícil de encontrar en el universo y casi imposible en la Tierra. Así que artificialmente nos imponemos un límite a partir de lo que ya hay en la página y situamos ahí un hipotético punto 0. Con esta decisión muchas veces lo que conseguimos es auto-infligirnos una tensión que en ocasiones puede minar la creatividad.

Por eso a mí me encanta dibujar sobre papel utilizado, si hay algo escrito o dibujado previamente mejor. De alguna manera la historia que está por contar se mezcla con los rastros de la historia ya contada previamente en un mágico palimpsesto que enriquece la obra final. Cuando empiezas un dibujo sobre algo ya impreso de alguna forma lo que vas a hacer ha de rendir homenaje a lo que ya hay en el papel aunque solamente sean manchas o trazos sin sentido y este hecho generalmente ayuda a la creatividad a dar ese gran salto al vació que se ejecuta cada vez que te asoma a una nueva hoja de papel.

Artistas que conocí en el OFFF de 2016

Deja un comentario

El festival OFFF que se celebra cada año en Barcelona es sin duda una gran oportunidad para aprender, gozar e inspirarse. Cualquier creativo o amante del diseño y la creatividad debería pasearse por este evento al menos una vez en su vida pues la calidad de las charlas de los ponentes y la atmósfera mágica que se crea valen mucho la pena. El OFFF también en una buena oportunidad para conocer artistas y todo tipo de gente sabia e interesante. De hecho la concentración de talento es tal que lo raro es no encontrarse con alguien extraordinario desde el punto de vista de la creación a poco que una se pasee y se relacione.

En mi caso particular me entristece reconocer que habitualmente no tengo mucho tiempo para descubrir a alguno de los muchos artistas que pasan por el OFFF. La razón es bien sencilla, los últimos años acudo al OFFF no como visitante sino como trabajador de algunos de los workshops que Adobe organiza allí. Es cierto que los talleres son lugares donde siempre ocurren cosas interesantes pero el caso es que la obligación de estar allí atendiendo al público hace que mi asistencia a alguna de las conferencias se limite a asomar la cabeza de vez en cuando a la sala principal y nunca más de 20 o 30 segundos seguidos.

A pesar de ello, la coyuntura ha hecho que este año haya podido encontrarme con algunos de los muchos artistas que allí estuvieron e incluso me he permitido el gran lujo de conversar, más o menos brevemente, con ellos lo que es siempre una fuente de alegría porque el que a buen árbol se arrima buen abrigo le cobija y en una charla informal con cualquiera de estos artistas suele aprenderse más que muchas horas lectivas en la academia.

Si leéis lo que viene a continuación entenderéis en seguida porque tuve la oportunidad de conocerlos.

Uno de ellos fue Javier de Riba. Javier de Riba es un artista que está cosechando renombre a nivel internacional por sus trabajos de arte urbano junto a María López dentro del colectivo Reskate Studio gracias, sobretodo a la creación de motivos y patrones geométricos.  A diferencia de otros artistas urbanos, Javier no únicamente realiza trabajos murales (que también) sino por decorar y dignificar suelos de lugares derruidos y abandonados con sus enbaldosados realizados con Spray.

javier

jriba

 

En Adobe contactamos con él para que fuera comisario del taller que hicimos en OFFF de impresión de patrones en bolsas. La idea era realizar diseños con patrones, aprovechando la nueva prestación que incorpora Adobe Capture de creación de motivos, y posteriormente imprimir bolsas de tela con dichos diseños gracias a la colaboración de los sistemas de impresión de OKI y del equipo de distrigraf . Lo cierto es que el público del OFFF al final hizo lo que le dio la gana y acabaron imprimiendo todo tipo de dibujos y garabatos en las bolsas, eso sí, utilizando al menos las función de librerias de Creative Cloud😉. El caso es que durante el OFFF tuve la suerte de que Javier compartiera conmigo sus procesos de trabajo, sus motivaciones artísticas y todo tipo de anécdotas incluido el como se le ocurrió comenzar a decorar suelos. Es todo un lujo poder escuchar a alguien hablar de su obra gráfica con una sensibilidad tan fina y poética.

Otro de los artistas con los que pude entablar contacto fue con Oriol Miró, un auténtico mago de lettering. Oriol había estando colaborando con nosotros en un Webminar y le invitamos para que estuviera en el taller de Adobe Stock que organizamos dentro del OFFF. Básicamente Oriol enseñaba a crear un lettering al público con su frase favorita que luego combinaban con una foto de AdobeStock para crear una postal personalizada. Como era de esperar, aquí también el público acabó haciendo lo que le dio la gana y abusaron del gran corazón de Oriol pidiéndole caligrafías personalizadas pare ellos. No les culpo, las palabras y frases escritas por Oriol son auténticas obras de arte y verlo trabajar con sus pinceles y plumillas es un espectáculo por el que muchos pagaríamos entrada. Con él también tuve la oportunidad de charlar, intercambiar impresiones y sobretodo de aprender un montón escuchando las vivencias de su experiencia artística, de como se enamoró de las letras, de como se dejó seducir por esos trazos cargados de la energía acumulada en siglos y siglos de cultura humana.

oriol

También tuve el gran honor y la suerte de recibir los consejos de los chicos de Machineast Un estudio creativo basado en Singapour y formado por el malayo Rezaliando y la indonesia Fizah Rahim. Si echáis un vistazo a su web probablemente os quedaréis tan impresionados como yo por la frescura, la magia y el impacto de sus imágenes. Trabajan con tipografia y modelado 3d y el virtuosismo de sus proyectos es simplemente increible. Machineast fue uno de los invitados de lujo al estrado del OFFF.

machineast

mchneast

Resulta que para el OFFF habíamos organizado algunos Behance portfolio reviews. Una serie de creadores locales tendrían la oportunidad de mostrar sus trabajos y recibir la opinión y recomendaciones de varios de los ponentes internacionales que intervenían en el escenario. Pues bien, resulta que a última hora uno de los candidatos a revisión no pudo acudir y su slot quedó libre, así que me dije ¿por qué no? y ni corto ni perezoso aproveché ese hueco para mostrarle yo mismo mi portfolio ¿quien mejor que esta pareja que había demostrado un talento y dominio del oficio totalmente fuera de serie para darme sus impresiones?. Tal como era de esperar recibí unas apreciaciones valiosísimas acerca de mi trabajo y también me dieron unos muy buenos consejos que desde entonces estoy empezando a aplicar con la máxima diligencia. Reconozco que me impresionó que unos creadores tan jóvenes tuvieran un ojo tan fino y una concepción dela creación tan clara y aguda. Entendí enseguida porque habían conseguido realizar esos proyectos tan espectaculares y porque habían llegado hasta donde lo han hecho. Evidentemente no es ninguna casualidad. Desde aquel día también soy un fiel seguidor de sus trabajos y un admirador incondicional de su estilo.

Y por último, casi por casualidad, tuve la suerte de conocer a Tamir Shefer. Tamir es una artista muy conocido en su país de origen, Israel. Su original estilo se nutre de referencias culturales como el Pop Art, los cómics o el arte pre-histórico. Semejante mezcla crea un estilo fresco, alegre y muy atractivo. Tamir pasó por el taller de impresión de bolsas e imprimimos varias con uno de sus simpáticas ilustraciones. Me gustaron tanto que me quedé con una de las bolsas que guardo con cariño.

tamirPortrait

tamir

Así, que pese a que no pude ser un espectador al uso y que tuve que estar casi todo el tiempo pendiente del taller tuve la oportunidad, un año más de aprovechar mi visita al OFFF y de comprender porque es un evento tan especial.

Boost your flow

Deja un comentario

.

La próximos días 25, 26, 27 y 28 de Abril vamos a organizar una serie de webminars dentro del evento que hemos bautizado como “Boost your flow” en el que varios artistas de diferentes ámbitos de la creación nos explicarán como aprovechan las ventajas de las herramientas y servicios que ofrece Creative Cloud para conseguir espectaculares resultados en los campos de la fotografía, la animación, los motion graphics, el diseño gráfico o el diseño web.

Podéis ver los detalles de cada uno de los participantes y registraos en la siguiente URL https://boostyourflowspain.creativecloud.adobeevents.com/

Sí os adelanto que se trata de una lista de artistas y diseñadores de primer orden.

Antes de las intervenciones de los profesionales un servidor de ustedes se encargará de hacer las introducciones y de presentar algunas de la principales novedades de Creative Cloud en las distintas áreas.

Os espero!!

Jun Seo Hahm un artista interesante

Deja un comentario

Captura de pantalla 2016-04-12 a las 11.50.41

Aunque suelo pasear bastante por Behance para inspirarme y descubrir nuevos artistas, no dejo de lado el resto de la amplia llanura que es la web ya que a veces también fuera de Behance puedes realizar grandes hallazgos.

Es el caso de Jun Seo Hahm un artista coreano que descubrí a través de Tumblr. Sus creaciones me parecen fascinantes. Son una interesante mezcla, o mejor dicho, síntesis de escuelas como el Kawaii japonés y el Lowbrow Art. Trabaja con software de modelado 3d y también con imagen vectorial. No obstante lo que me más me atrae de su obra es que tiene un “no se que” inquietante que hace que tanto sus ilustraciones como las animaciones que hace me fascinen de una forma my especial. Será lo enigmático de sus personajes, las texturas que consigue o el elemento onírico… Lo cierto es que no sabría definirlo muy bien, pero como ocurre en muchos casos, su arte está ahí para disfrutarlo sin hacerse muchas más preguntas. Juzgad por vosotros mismos, ¿qué os parece?

Aquí tenéis su Tumblr: http://junseohahm.tumblr.com/

Algunas interesantes piezas de Vídeo Arte

Deja un comentario

Los que me conocen saben de mi afición por el vídeo arte. Me entusiasma el arte en general y ek vídeo arte en especial. A diferencia del cine tradicional donde, salvo excepciones, lo más importante es la narración, en el vídeo arte se apuesta por la experimentación, se intenta sacar el jugo simbólico y poético de loes elementos que intervienen en un fragmento de vídeo ya sea a nivel tecnológico como estructural.

En el cine o la ficción de vídeo comercial, el tiempo es uno de los elementos que forman parte del lenguaje de este medio y se utiliza como vía para contar una historia. En muchas piezas de video arte se reflexiona acerca del tiempo como recursos diferencial de este tipo de expresión artística y se le intenta sacar jugo de form a que el espectador pueda llegar a reflexionar acerca de esta dimensión que no está tan claramente presente en otras artes plásticas.

Dentro del extenso catálogo de obras de vídeo arte que nos ofrece el arte contemporáneo me llaman la atención cuatro piezas que considero especialmente interesantes precisamente en lo que se refiere a este tratamiento singular del elemento del tiempo. Paso a comentarlas brevemente.

 

Empire. AndyWarhol 1964.

.

.

Aunque no se puede considerar estrictamente una obra de vídeo arte, ya que se trata de una película de cine, lo cierto es que Andy Warhol crea una obra totalmente experimental con esta pieza. Rompe totalmente la estructura habitual de las historias de cine de planteamiento-nudo-desenlace, pues se trata de una pieza de unas 8 horas de duración con un único plano secuencia de un encuadre general del rascacielos Empire State Building de Nueva York. Desde luego no se trata de una película para ver de principio a fin en un sólo visionado, ni siquiera en varios, no es una película que tenga la pretensión de que nadie la vea entera. Su valor y su interés radica precisamente en esa cualidad de anti-cine que invita a reflexionar sobre la realidad del paso del tiempo, como este está totalmente ligado al contexto y como se manipula en el cine comercial para vendernos una fantasía que poco tiene que ver con como se despliega esta dimensión en el mundo real. En este pot reproducimos un fragmento de la película de unos 10 minutos.

 

.

24 hour psycho Douglas Gordon 1993

.

.

En esta obra de Douglas Gordon se pasa la película Psicosis de Alfred Hitchcock a cámara lenta hasta estirar su duración a 24 horas. Si el ejemplo anterior no estaba pensado para visionarla al completo, esta todavía menos. De hecho el interés principal de 24 hours psycho (una de mis obras de video arte preferidas) reside en la exageración hiperbólica de su duración. Demuestra que simplemente basta alterar la variable del tiempo para desmontar totalmente el significado de una narración audiovisual ya que la historia que se narra es exactamente la misma que el film original pero ésta deviene totalmente inutil por la transformación de la velocidad de reproducción. Otro punto interesante desde el punto de vista tecnológico es que esta obra, al contrario del ejemplo anterior, solamente es posible realizarla en vídeo y no en cine, esto se debe a que la ilusión de movimiento en el cine se basa en el desplazamiento espacial de una tira de celuloide. Reducir la velocidad de movimiento de la tira de celuloide habría hecho evidente el truco ya que la mayor parte del tiempo estaríamos viendo el carrete de película en un punto intermedio pasando de un fotograma al siguiente. Reduciendo la velocidad de un cabezal de vídeo (o el framerate de una versión digital actualmente) conseguimos ver todos los fotogramas completos sólo que a menos velocidad tal y como era la intención original. Este hecho sirve para subrayar como el medio que se elige determina, de algún modo, el tipo de mensaje que se lanza. En el post mostramos un fragmento de la obra completa.

.

 

One Year Performance,Tehching Hsieh 1980–1981

.

.

Esta obra puede considerarse tanto una obra de video arte como una obra de performance, y es que el autor Tenching Hsieh se dedicó a fotografiarse durante un año entero pulsando un reloj de fichar cada hora durante 365 dias. Al principio de la performance el artista se rapó al cero la cabeza para evidenciar el paso del tiempo mientras su cabello crecía y dejar claro que no había ningún truco de por medio. La realización de la pieza fue realmente extenuante, ¿Os imagináis un año entero pendiente de fotografiarse cada hora con el reloj incluidas las horas de sueño por la noche? El propio Tehching reconoce lo duro de esta performance y en el vídeo de 6 min aproximadamente, resultante de unir todas las fotografías puede comprobarse el gesto de agotamiento y enajenación en su rostro conforme llegamos al final. Sin duda se trata de una demostración impresionante de como se puede jugar y manipular el paso del tiempo. Es una obra que no deja indiferente y que invita largamente a la reflexión tras su visionado pues es inevitable preguntarse por todo lo que pasó por la mente de Techcing durante los escaso seis minutos que dura el vídeo.

Cuando la obra se exhibe en museos el vídeo suele estar acompañado de las fotografías y las tarjetas de fichar que utilizó el artista para dejar constancia de su acción.

 

The Clock, Christian Marclay 2010

.

.

Otra obra fascinante de vídeo arte. En esta ocasión estamos de nuevo ante una obra de 24 horas de duración. La singularidad de esta obra de vídeo collage es que cada uno de los instantes que aparecen en la película están sacados de escenas del cine comercial y representan exactamente minuto a minuto que hora es en ese momento pues gran parte de los fotogramas que se muestran son relojes. Así que si se sincroniza el inicio de la proyección con la hora del reloj que sea en ese momento, podremos comprobar que la hora del día que muestra nuestro reloj de pulsera es exactamente el mismo que muestra la pieza.

Para su realización el artista invirtió varios años en los que un grupo de colaboradores trabajaban varias horas al día visionando montones de películas y seleccionando para él aquellas secuencias en las que aparecían relojes marcando cualquier hora del día. A partir de ahí, Christian seleccionó los fragmentos deseados y trabajó a fondo en la edición del trabajo final.

Por un lado esta obra suscita un debate acerca de la propiedad intelectual y los derechos de autor ¿hasta que punto un collage sea de imagen o de vídeo, es una obra original y hasta que punto es re-apropación de la creación de otros? Personalmente pienso que si bien el autor se adueña de películas hechas por otros, la narración que cuenta es radicalmente distinta, por lo tanto estaríamos hablando en todo caso de una re-apropiación parcial o incompleta. Pero en mi opinión lo realmente fascinante de esta pieza es la manipulación que se hace del tiempo hasta diluir completamente la diferencia entre el tiempo real y el tiempo ficticio de la narración cinematográfica. En el post reproducimos un fragmento de la obra completa.

Y ahora… Adobe Post

Deja un comentario

2015-12-18 12.18.55

 

Hace algún tiempo hablábamos de Adobe Voice y Adobe Slate, dos apps que se presentan como estupendas herramientas de Story Telling y que se añaden al ya nutrido catálogo de Apps móviles de Adobe. Ahora para completar a esta familia de apps llega Adobe Post, una herramienta realmente sencilla de utilizar que nos permite crear estupendas infografías para postear en cualquier red social o en nuestro propio blog. Viene surtido con un montón de plantillas personalizables que nos abre infinitas posibilidades para combinar imágenes, textos y colores. Se descargan en un plis, así que no se que haces esperando a crear asombroso post con ella😉.

Curso de creación y aplicación de estampados con técnicas digitales.

Deja un comentario

Captura de pantalla 2015-11-23 a la(s) 12.03.48

La APIC (Asscociació Profesional d’ Ilustradors de Catalunya) ya hace algún tiempo que viene ofreciendo interesantes cursos online tanto a sus asociados como a cualquier usuario en general. Los contenidos son muy interesantes y el precio más que razonable. Hace poco tuve la oportunidad de impartir un curso de animación con After Effects y para esta semana hay preparado un curso de Creación y aplicación de estampados con técnicas digitales impartido por Anna Garriga.

Podéis encontrar más información en su web http://www.apic.es/activity/curs-online-creacio-i-aplicacio-destampats-amb-tecniques-digitals/ pero igualmente os copio aquí el anuncio oficial para que podáis leer el temario y comprobar que realmente se trata de un curso a considerar.

*****

urso online: CREACIÓN Y APLICACIÓN DE ESTAMPADOS CON TÉCNICAS DIGITALES

Fechas y horarios: Dos clases online:
miércoles 25 de noviembre de 10 a 12h
miércoles 2 de diciembre de 10 a 12h

Lugar: Curso no presencial. Cualquier lugar donde dispongas de un ordenador y una conexión a Internet desde la que asistirás a una aula virtual

Precio:
Socios: 20 euros (Se pasará la cuota por la entidad bancaria del socio/a)
No socios: 30 euros (Se facilitará un número de cuenta para realizar el ingreso)

Inscripción:
Responder esta circular o enviar un correo a info@apic.es solicitando plaza (Importante: se ruega a los no socios dejar un teléfono de contacto). Se confirmará plaza enviando un correo electrónico con toda la información.

En caso de no haber un mínimo de plazas confirmadas, Apic se reserva el derecho a cancelar el curso
No se aceptará  la devolución del importe del curso pagado antes de 24h del inicio del curso sin una causa justificada

Qué son las clases online y en qué consisten?
La dinámica de los cursos online es sencilla. Se trata de seguir desde tu casa, o desde un lugar donde dispongas de ordinador y conexión a Internet, una serie de clases en directo, en las que el profesor comparte contigo su pantalla. En esta pantalla realiza los ejercicios que tú puedes ver en pantalla completa, mientras escuchas en audio sus explicaciones.
Para que tengas acceso al curso te daremos un nombre de usuario para registrarte y las instrucciones para que accedas al curso de forma sencilla. Puedes hacer preguntas en el chat, al final de la clase.
También dispondrás de una aula virtual. En este espacio estarán registrados todos los alumnos y podrás disponer de materiales para el curso, así como las grabaciones de las diferentes sesiones.

(Consulta el archivo adjunto para tener más información sobre qué es un curso online)

CURSO

Descripción:
El diseño de estampados o pattern design es un campo a tener en cuenta en el ámbito de la Ilustración. Hoy en día los estampados se pueden aplicar en muchísimos soportes físicos: textil, papel, objetos decorativos…
En este curso aprenderemos los fundamentos básicos del pattern design. A lo largo de las cuatro horas trabajaremos todo el proceso de un diseño de un estampado: desde la fase inicial de inspiración, pasando por la creación del rapport digital, hasta la fase final de aplicación del pattern sobre diferentes soportes gráficos.

Requisitos previos:
Conocimientos básicos de Illustrator.

Requerimientos hardware/software:
Ordenador con conexión a Internet y Illustrator instalado, mejor si tenéis las últimas verisiones, CS5 o CS6


Temario:

– Introducción teórica al Pattern Design
¿Qué es el Pattern Design?
Tipos de estampados que hay en el mercado
Parámetros a tener en cuenta a la hora de diseñar un estampado

– Inspiración y Moodboard
Proceso de inspiración
Realización de una Moodboard
Dibujar motivos para el estampado
Crear nuestra paleta de color

– Creación de rapports digitales
Importar bocetos a Illustrator
Corregir y trabajar los motivos
Composición del estampado
Diferentes tipos de rapport (bloque de repetición): rapport genérico, tresbolillos (Square, Half drop y Brick repeat)

– Diferentes aplicaciones gráficas de los estampados
Mockups
Clipart
Fondos para ordenador y móvil
Papelería: tarjetas, etiquetas…

– Donde difundir nuestros estampados
Plataformas/tiendas virtuales: Society6, Spoonflower, The pattern library…
Recursos y direcciones útiles para imprimir nuestros estampados


Profesora:
Anna Garriga, licenciada en Bellas Artes y diseñadora de pattern en la actualidad. Positive Fabrics es su proyecto profesional, una web/tienda online dedicada al mundo de los estampados. Realiza sus propias colecciones de estampados que posteriormente los aplica a téxtil para confeccionar productos. También imparte clases presenciales y online.

 

Older Entries