Algunas interesantes piezas de Vídeo Arte

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Los que me conocen saben de mi afición por el vídeo arte. Me entusiasma el arte en general y ek vídeo arte en especial. A diferencia del cine tradicional donde, salvo excepciones, lo más importante es la narración, en el vídeo arte se apuesta por la experimentación, se intenta sacar el jugo simbólico y poético de loes elementos que intervienen en un fragmento de vídeo ya sea a nivel tecnológico como estructural.

En el cine o la ficción de vídeo comercial, el tiempo es uno de los elementos que forman parte del lenguaje de este medio y se utiliza como vía para contar una historia. En muchas piezas de video arte se reflexiona acerca del tiempo como recursos diferencial de este tipo de expresión artística y se le intenta sacar jugo de form a que el espectador pueda llegar a reflexionar acerca de esta dimensión que no está tan claramente presente en otras artes plásticas.

Dentro del extenso catálogo de obras de vídeo arte que nos ofrece el arte contemporáneo me llaman la atención cuatro piezas que considero especialmente interesantes precisamente en lo que se refiere a este tratamiento singular del elemento del tiempo. Paso a comentarlas brevemente.

 

Empire. AndyWarhol 1964.

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Aunque no se puede considerar estrictamente una obra de vídeo arte, ya que se trata de una película de cine, lo cierto es que Andy Warhol crea una obra totalmente experimental con esta pieza. Rompe totalmente la estructura habitual de las historias de cine de planteamiento-nudo-desenlace, pues se trata de una pieza de unas 8 horas de duración con un único plano secuencia de un encuadre general del rascacielos Empire State Building de Nueva York. Desde luego no se trata de una película para ver de principio a fin en un sólo visionado, ni siquiera en varios, no es una película que tenga la pretensión de que nadie la vea entera. Su valor y su interés radica precisamente en esa cualidad de anti-cine que invita a reflexionar sobre la realidad del paso del tiempo, como este está totalmente ligado al contexto y como se manipula en el cine comercial para vendernos una fantasía que poco tiene que ver con como se despliega esta dimensión en el mundo real. En este pot reproducimos un fragmento de la película de unos 10 minutos.

 

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24 hour psycho Douglas Gordon 1993

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En esta obra de Douglas Gordon se pasa la película Psicosis de Alfred Hitchcock a cámara lenta hasta estirar su duración a 24 horas. Si el ejemplo anterior no estaba pensado para visionarla al completo, esta todavía menos. De hecho el interés principal de 24 hours psycho (una de mis obras de video arte preferidas) reside en la exageración hiperbólica de su duración. Demuestra que simplemente basta alterar la variable del tiempo para desmontar totalmente el significado de una narración audiovisual ya que la historia que se narra es exactamente la misma que el film original pero ésta deviene totalmente inutil por la transformación de la velocidad de reproducción. Otro punto interesante desde el punto de vista tecnológico es que esta obra, al contrario del ejemplo anterior, solamente es posible realizarla en vídeo y no en cine, esto se debe a que la ilusión de movimiento en el cine se basa en el desplazamiento espacial de una tira de celuloide. Reducir la velocidad de movimiento de la tira de celuloide habría hecho evidente el truco ya que la mayor parte del tiempo estaríamos viendo el carrete de película en un punto intermedio pasando de un fotograma al siguiente. Reduciendo la velocidad de un cabezal de vídeo (o el framerate de una versión digital actualmente) conseguimos ver todos los fotogramas completos sólo que a menos velocidad tal y como era la intención original. Este hecho sirve para subrayar como el medio que se elige determina, de algún modo, el tipo de mensaje que se lanza. En el post mostramos un fragmento de la obra completa.

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One Year Performance,Tehching Hsieh 1980–1981

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Esta obra puede considerarse tanto una obra de video arte como una obra de performance, y es que el autor Tenching Hsieh se dedicó a fotografiarse durante un año entero pulsando un reloj de fichar cada hora durante 365 dias. Al principio de la performance el artista se rapó al cero la cabeza para evidenciar el paso del tiempo mientras su cabello crecía y dejar claro que no había ningún truco de por medio. La realización de la pieza fue realmente extenuante, ¿Os imagináis un año entero pendiente de fotografiarse cada hora con el reloj incluidas las horas de sueño por la noche? El propio Tehching reconoce lo duro de esta performance y en el vídeo de 6 min aproximadamente, resultante de unir todas las fotografías puede comprobarse el gesto de agotamiento y enajenación en su rostro conforme llegamos al final. Sin duda se trata de una demostración impresionante de como se puede jugar y manipular el paso del tiempo. Es una obra que no deja indiferente y que invita largamente a la reflexión tras su visionado pues es inevitable preguntarse por todo lo que pasó por la mente de Techcing durante los escaso seis minutos que dura el vídeo.

Cuando la obra se exhibe en museos el vídeo suele estar acompañado de las fotografías y las tarjetas de fichar que utilizó el artista para dejar constancia de su acción.

 

The Clock, Christian Marclay 2010

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Otra obra fascinante de vídeo arte. En esta ocasión estamos de nuevo ante una obra de 24 horas de duración. La singularidad de esta obra de vídeo collage es que cada uno de los instantes que aparecen en la película están sacados de escenas del cine comercial y representan exactamente minuto a minuto que hora es en ese momento pues gran parte de los fotogramas que se muestran son relojes. Así que si se sincroniza el inicio de la proyección con la hora del reloj que sea en ese momento, podremos comprobar que la hora del día que muestra nuestro reloj de pulsera es exactamente el mismo que muestra la pieza.

Para su realización el artista invirtió varios años en los que un grupo de colaboradores trabajaban varias horas al día visionando montones de películas y seleccionando para él aquellas secuencias en las que aparecían relojes marcando cualquier hora del día. A partir de ahí, Christian seleccionó los fragmentos deseados y trabajó a fondo en la edición del trabajo final.

Por un lado esta obra suscita un debate acerca de la propiedad intelectual y los derechos de autor ¿hasta que punto un collage sea de imagen o de vídeo, es una obra original y hasta que punto es re-apropación de la creación de otros? Personalmente pienso que si bien el autor se adueña de películas hechas por otros, la narración que cuenta es radicalmente distinta, por lo tanto estaríamos hablando en todo caso de una re-apropiación parcial o incompleta. Pero en mi opinión lo realmente fascinante de esta pieza es la manipulación que se hace del tiempo hasta diluir completamente la diferencia entre el tiempo real y el tiempo ficticio de la narración cinematográfica. En el post reproducimos un fragmento de la obra completa.

Y ahora… Adobe Post

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Hace algún tiempo hablábamos de Adobe Voice y Adobe Slate, dos apps que se presentan como estupendas herramientas de Story Telling y que se añaden al ya nutrido catálogo de Apps móviles de Adobe. Ahora para completar a esta familia de apps llega Adobe Post, una herramienta realmente sencilla de utilizar que nos permite crear estupendas infografías para postear en cualquier red social o en nuestro propio blog. Viene surtido con un montón de plantillas personalizables que nos abre infinitas posibilidades para combinar imágenes, textos y colores. Se descargan en un plis, así que no se que haces esperando a crear asombroso post con ella ;-).

Curso de creación y aplicación de estampados con técnicas digitales.

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La APIC (Asscociació Profesional d’ Ilustradors de Catalunya) ya hace algún tiempo que viene ofreciendo interesantes cursos online tanto a sus asociados como a cualquier usuario en general. Los contenidos son muy interesantes y el precio más que razonable. Hace poco tuve la oportunidad de impartir un curso de animación con After Effects y para esta semana hay preparado un curso de Creación y aplicación de estampados con técnicas digitales impartido por Anna Garriga.

Podéis encontrar más información en su web http://www.apic.es/activity/curs-online-creacio-i-aplicacio-destampats-amb-tecniques-digitals/ pero igualmente os copio aquí el anuncio oficial para que podáis leer el temario y comprobar que realmente se trata de un curso a considerar.

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urso online: CREACIÓN Y APLICACIÓN DE ESTAMPADOS CON TÉCNICAS DIGITALES

Fechas y horarios: Dos clases online:
miércoles 25 de noviembre de 10 a 12h
miércoles 2 de diciembre de 10 a 12h

Lugar: Curso no presencial. Cualquier lugar donde dispongas de un ordenador y una conexión a Internet desde la que asistirás a una aula virtual

Precio:
Socios: 20 euros (Se pasará la cuota por la entidad bancaria del socio/a)
No socios: 30 euros (Se facilitará un número de cuenta para realizar el ingreso)

Inscripción:
Responder esta circular o enviar un correo a info@apic.es solicitando plaza (Importante: se ruega a los no socios dejar un teléfono de contacto). Se confirmará plaza enviando un correo electrónico con toda la información.

En caso de no haber un mínimo de plazas confirmadas, Apic se reserva el derecho a cancelar el curso
No se aceptará  la devolución del importe del curso pagado antes de 24h del inicio del curso sin una causa justificada

Qué son las clases online y en qué consisten?
La dinámica de los cursos online es sencilla. Se trata de seguir desde tu casa, o desde un lugar donde dispongas de ordinador y conexión a Internet, una serie de clases en directo, en las que el profesor comparte contigo su pantalla. En esta pantalla realiza los ejercicios que tú puedes ver en pantalla completa, mientras escuchas en audio sus explicaciones.
Para que tengas acceso al curso te daremos un nombre de usuario para registrarte y las instrucciones para que accedas al curso de forma sencilla. Puedes hacer preguntas en el chat, al final de la clase.
También dispondrás de una aula virtual. En este espacio estarán registrados todos los alumnos y podrás disponer de materiales para el curso, así como las grabaciones de las diferentes sesiones.

(Consulta el archivo adjunto para tener más información sobre qué es un curso online)

CURSO

Descripción:
El diseño de estampados o pattern design es un campo a tener en cuenta en el ámbito de la Ilustración. Hoy en día los estampados se pueden aplicar en muchísimos soportes físicos: textil, papel, objetos decorativos…
En este curso aprenderemos los fundamentos básicos del pattern design. A lo largo de las cuatro horas trabajaremos todo el proceso de un diseño de un estampado: desde la fase inicial de inspiración, pasando por la creación del rapport digital, hasta la fase final de aplicación del pattern sobre diferentes soportes gráficos.

Requisitos previos:
Conocimientos básicos de Illustrator.

Requerimientos hardware/software:
Ordenador con conexión a Internet y Illustrator instalado, mejor si tenéis las últimas verisiones, CS5 o CS6


Temario:

– Introducción teórica al Pattern Design
¿Qué es el Pattern Design?
Tipos de estampados que hay en el mercado
Parámetros a tener en cuenta a la hora de diseñar un estampado

– Inspiración y Moodboard
Proceso de inspiración
Realización de una Moodboard
Dibujar motivos para el estampado
Crear nuestra paleta de color

– Creación de rapports digitales
Importar bocetos a Illustrator
Corregir y trabajar los motivos
Composición del estampado
Diferentes tipos de rapport (bloque de repetición): rapport genérico, tresbolillos (Square, Half drop y Brick repeat)

– Diferentes aplicaciones gráficas de los estampados
Mockups
Clipart
Fondos para ordenador y móvil
Papelería: tarjetas, etiquetas…

– Donde difundir nuestros estampados
Plataformas/tiendas virtuales: Society6, Spoonflower, The pattern library…
Recursos y direcciones útiles para imprimir nuestros estampados


Profesora:
Anna Garriga, licenciada en Bellas Artes y diseñadora de pattern en la actualidad. Positive Fabrics es su proyecto profesional, una web/tienda online dedicada al mundo de los estampados. Realiza sus propias colecciones de estampados que posteriormente los aplica a téxtil para confeccionar productos. También imparte clases presenciales y online.

 

Una nación llamada Arte

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BramantyaArdhy Indonesia

Lo seres humanos somos animales sociales, nos necesitamos los unos a los otros para llevar una vida plena, necesitamos sentir que formamos parte de un mismo un grupo, eso nos da seguridad y sosiego. Por eso las personas suelen unirse para formar grupos sociales con los que comparten afinidades que refuerzan su sentimiento de pertenencia. Historicamente esos lazos fraternales han tejido sus raíces en los orígenes de la familia y la “tribu” en los que uno había nacido. Partiendo de las tribus se crearon las naciones, las patrias cuyos individuos compartían aspectos etnográfico. En paralelo las religiones, las lenguas y otros elementos culturales han ido dando paso a estructuras de identidad cada vez más complejas hasta llegar a las sociedades actuales donde las relaciones de pertenencia llegan a formar estructuras muy imbricadas. Por eso actualmente aparte de los grupos clásicos de Estado-Nación, raza, cultura o religión podemos encontrar otros grupos de afinidad entre humanos como pueden ser la afición por un mismo equipo de fútbol o por una misma afición.

Éste último caso me llama bastante la atención porque es una consecuencia bastante directa de la globalización que han propiciado los avances tecnológicos sobretodo en el ámbito de la comunicación. Personas de distintos entornos culturales y sociales encuentran un nexo común en el que compartir experiencias y relacionarse en un terreno trans-nacional, trans-religioso y trans-cultural. Este fenómeno se da en múltiples disciplinas sociales como el deporte, la ciencia, la política o el arte.

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Daito Manabe, artista integral

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Daitomanabe

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Hoy me gustaría hablaros de Daito Manabe porque lo considero un paradigma del artista pluridisciplinar. En sus proyectos Daito maneja tanto elementos gráficos y propios de las artes plásticas como la música, la danza o la programación. El propio Daito confiesa que dependiendo del  proyecto ejerce más un rol de programador o bien de artista en el sentido más convencional de la palabra.

Sus obras son performances e instalaciones donde integra los elementos antes mencionados en mayor o menor proporción dependiendo de las características del proyecto en sí.

El programa Metropolis de RTVE emitió un documental acerca de él y su trabajo que os recomiendo encarecidamente

http://www.rtve.es/alacarta/videos/metropolis/metropolis-daito-manabe/3159261/

En dicho reportaje habla, entre otras muchas cosas interesantes, de dos formas fundamentales que tiene de trabajar con su equipo Rhizomatiks . En el primer tipo de proyectos, se plantea un objetivo, una idea y/o un guión y en base a ello se buscan a las personas y profesionales multidisciplinares que puedan llevarlo a cabo. En la segunda aproximación se reúnen un grupo de profesionales con diferentes especialidades y partiendo de ahí se investiga a ver que es lo puede salir y se comienza un proyecto artístico sin tener muy claro que es lo que va a salir de todo eso. Ni que decir tiene que esta segunda modalidad es la que le resulta más atractiva al propio Daito por todo el elemento de incertidumbre, misterio y sorpresa que encierra y, a juzgar por los resultados, se diría que también parece ser el predilecto del público.

Daito Manabe trabaja mucho con la interacción entre performers y dispositivos en instalaciones donde los sensores juegan un papel esencial. Por algún motivo, siempre me han gustado este tipo de obra donde se entrecruzan múltiples disciplinas y tecnologías y donde la interacción de los participantes en la experiencia siempre garantiza un amplio margen para la sorpresa y, por lo tanto para la magia. Algo que también pude percibir con claridad en la obra de Zack Liebermanthesystemis .

Aquí tenéis un ejemplo del trabajo de Daito Manabe. Os lo recomiendo muy seriamente ;-)

Adobe y Marvel

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AdobeCarnage

¿Eres entusiasta de las aplicaciones de Adobe y de los superheroes Marvel? ¡Pues entonces, sin duda este es tu desafio!

Se trata del reto que propone Adobe desde su plataforma Behance de encontrar y descubrir a los mejores talentos jóvenes de hoy día para que sean los responsables de crear una edición limitada de un comic nada de Los Vengadores, los heroes más poderosos de la Tierra.  Estamos buscando a 4 estudiantes con diferentes estilos que se encarguen de este proyecto.

Si tienes la fortuna de ser uno de los escogidos, se te invitará a la Convención de Comic de San Diego donde podrás protagonizar un Portfolio Review con profesionales de Marvel. Tu comic además será impreso y distribuido en las tiendas de comics de todo EE.UU.

Para participar debes ser estudiante, mayor de 18 años y apasionado/a de los comics.

Debes crear tus propuestas como un proyecto en tu cuenta de Behance y etiquetarlas con #madethis #Marvel

Para poder entrar en concurso tu trabajo debe ser etiquetado antes de 9 de Abril de 2015.

Puedes ver más detalles acerca del reto en el siguiente enlace.

El enorme talento de Hasraf Dulull

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sync

 

El pasado día 29 de septiembre estuve en la escuela Trazos de Madrid celebrando un evento con un grupo de editores de vídeo dónde les expliqué las bondades de trabajar con Premiere Pro, una herramienta que aún es una gran desconocida para muchas personas del entorno broadcast a pesar del espectacular crecimiento que ha tenido durante los últimos años.

Como parte d ela sesión invitamos por vídeo conferencia a Hasraf Dulull, un joven cienasta británico que nos asombró a todos no sólo por su enorme talento sino porque, tal y como él mismo no comentó, crea todos sus cortos, con una apariencia totalmente hollywoodiense, casi en solitario, apoyándose únicamente de los actores y de un pequeño grupo de colaboradores. El presupuesto de sus producciones es ridículamente pequeño en comparación con los espectaculares resultados.

Según nos confesó, uno de sus secretos es precisamente trabajar con Creative Cloud y con las herramientas de Adobe que, según él, permite a cualquier persona con un mínimo de inquietudes obtener excelentes resultados con un ordenador estándar y con una inversión de tiempo mínima. De hecho, nos aseguró que su corto “Sync”, que podéis ver en este post fue realizado durante tres meses, en ratos desperdigados aquí y allá y sin seguir un calendario de rodaje claramente definido.

Realmente impresionante, ¿no os parece?

 

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